Observez l'image de cette édition quelques instants sans chercher à l'interpréter. Ne vous demandez pas ce qu'elle représente. Remarquez d'abord ce qui n'y figure pas.

Et ensuite, posez-vous la question :

À quoi ressemblerait ma vie si je ne comblais pas immédiatement chaque espace vide ?

Art japonais « ma »

Parfois, face à une surface vide, notre premier réflexe est de la remplir. D'une forme. D'une couleur. D'une signification. Peut-être parce que le vide nous perturbe. Il nous donne l'impression qu'il manque quelque chose et que notre rôle est de le combler. Mais il existe une autre possibilité. Considérons l'espace vide non pas comme un travail inachevé, mais comme une partie intégrante de l'œuvre.
Dans l'image de cette édition, le paysage n'occupe qu'une petite partie de la surface. Quelques formes sombres suggèrent les arbres, la terre, l'horizon. Le reste demeure presque intact.

Et pourtant, ce repos même se met à agir. Il se transforme en brouillard. Il se transforme en air. Il se transforme en distance. Il peut se transformer en ciel ou en eau.

Le regard ne reçoit pas tout. Il poursuit son chemin. Et l'œuvre ne s'arrête pas là où l'artiste s'est arrêté. C'est là que le spectateur commence. Quand le vide n'est plus un manque.

Dans de nombreuses traditions artistiques occidentales, la surface a longtemps été un espace à organiser, à occuper, à construire. Mais dans la peinture chinoise et japonaise, ce qui reste non peint peut être aussi important que la forme peinte. Les montagnes émergent de la brume et y disparaissent. Une branche peut exister sans que l'arbre entier soit représenté. Quelques traits d'encre peuvent suggérer un paysage que l'esprit prolonge bien au-delà du papier.

Hasegawa Tohaku

Hasegawa Tōhaku vécut au Japon aux XVIe et XVIIe siècles et devint l'une des figures majeures de la peinture de l'époque Momoyama. Il travailla aussi bien dans le registre décoratif ample de cette période que dans la peinture à l'encre monochrome, où l'économie de gestes et l'espace vide acquièrent une force particulière. Dans ses œuvres les plus austères, l'image semble ne pas chercher à figer le monde, mais à saisir l'instant où il apparaît et disparaît de notre perception.
Un arbre n'est pas qu'un arbre. C'est aussi le brouillard qui le dissimule. C'est aussi la distance qui le sépare du suivant. C'est aussi l'espace dans lequel le spectateur le découvre. C'est peut-être pourquoi de telles œuvres restent vivantes après des siècles.

Cela ne nous donne pas tout.

ART INTUITIF #22

Écouter l'article

À lire dans le magazine

Je suis le même souffle que l'éternel,
a vécu un temps en l'homme.
Mell

AUTEUR DE L'ARTICLE

MELL

Mell est la fondatrice de la revue TotUna – Essentia Momentum, un espace éditorial dédié à l'épanouissement de la conscience par l'expérience directe et la réflexion intégrative. Ses écrits ne partent pas de la théorie, mais de voyages réels – de la rencontre avec la vie dans ses formes les plus fragiles et révélatrices.

Son intérêt pour des traditions telles que l'Advaita Vedanta, le gnosticisme, la Kabbale et l'anthroposophie n'est pas d'ordre comparatif, mais vise à reconnaître le même fil divin qui traverse différentes langues. Pour Mell, la conscience créatrice n'est pas un concept ; c'est une réalité vivante, présente dans toutes les formes d'existence, qu'il explore, décrit et expérimente. Il ne dirige pas ; il reconnaît. Et par cette reconnaissance, il ouvre la porte que chaque lecteur doit franchir par lui-même.